The Mission Is Terminated

O en realidad no, pero quería meter una referencia a Throbbing Gristle. De cualquier manera este blog sí está terminado. Te lo estoy diciendo por última vez ya no será actualizado. Pero no porque me retiré de la actividad blogger ni nada parecido. Desde ahora mi nuevo hogar blogger está acá. No más blog privado, desde ahora postearemos en conjunto Amadeo, Quese y yo. So, wave goodbye to this ol' blog and hail Thee Majestic Three.

(che, un año y medio escribiendo y aún así termino el blog con menos de 100 posts. Una mierda.)

This blog sucks

Ya sé que debería estar posteando más y que cuando lo hago no debería postear pelotudeces improvisadas pero hay varios factores que me juegan en contra. A saber,

*Gran falta de tiempo.
*Bloqueo total. O no puedo escribir nada o lo que escribo me parece una soberana cagada.
*Completa falta de concentración.

Ustedes no saben lo difícil que es tratar de llevar adelante un blog cuando a uno le queda finalmente una hora libre, decide ponerse a escribir, abre el blogger, mientras carga cambia en el Firefox al tag de la wikipedia (que tengo siempre abierto), se olvida completamente del blogger y da vueltas por artículos aleatorios por 45 minutos de esa hora preguntandose si no había otra cosa que iba a hacer en primer lugar y cuando se acuerda de lo que iba a hacer en primer lugar no tiene ni idea de que escribir.

A veces no es divertido ser yo (mentira, nunca es divertido).

Blah blah blah

Es común que el noise sea asociado con la idea de experimental, pero la verdad es que la asociación raras veces está justificada. En la mayor parte del noise no hay ninguna intención experimental. Los músicos saben exactamente lo que hacen y que quieren lograr, incluso una gran cantidad no solo no es experimental sino que es indiscutiblemente cabeza. Por eso uno de los mayores problemas que suele tener el noise es lo fácil que los artistas caen en la autoindulgencia y sacan millones de discos por año que básicamente todos suenan iguales. Música que no toma mucho trabajo y que sean buenos o malos no suman nada nuevo ni implican absolutamente ningún riesgo. Aún a pesar de eso quedan artistas noise arriesgados y que hacen cosas diferentes que sí pueden ser llamadas experimentales. En esta categoría figura la artista que, estoy convencido, es el verdadero futuro del noise, Jessica Rylan.

Rylan es una de las figuras más notables de la escena noise actual y la verdad es que la escena le queda bastante chica y la calificación de noise también. Tanto su música como sus performances (por lo poco que he visto) son difícilmente encasillables dentro del noise puro y duro que reina en la escena actual. Rylan no tiene miedo de usar en su música elementos efectivamente musicales que la mayoria de los demas musicos parecen ya haber eliminado completamente, y digamos la verdad, no importa cuanto te guste el noise, un poco de ritmo nunca viene mal. En definitiva, creo que Jessica Rylan es la única artista que en los últimos tiempos está moviendo el noise hacia sonidos nuevos y territorios no explorados.

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Pasé estas dos últimas semanas escuchando mucho Beirut, tanto el disco The Gulag Orkestar como el EP Lon Gisland. La música balcánica no suele interesarme, al menos no la que llega acá. Creo que podría decir que no soporto a Emir Kusturica (no solo tocando) y jamás me molesté en intentar escuchar a Goran Bregovic. Simplemente no es lo mío. Pero Beirut me encantó desde el principio y no me pareció raro, fue después de bastantes escuchas que me pregunté porque esto me gustaba y lo demás no. La respuesta que encontré es simple, la música de Beirut no es balcánica. Es tan balcánica como puede ser la música compuesta y grabada integramente por un chico de 20 años nativo de Santa Fe, New Mexico que estuvo un tiempo en Europa del este y quedó temporalmente fascinado con esa música. Y ese es el caso de Zach Condon, el compositor detrás de Beirut. Es indie norteamericano mucho antes que música balcánica. (Para apoyar lo que digo leo en la wikipedia que en su adolescencia Condon grabó dos discos no editados, uno electrónico inspirado por Magnetic Fields y otro de doo-woop y dice en una entrevista que esto también es una etapa y que no cree que lo próximo que haga suene así). He ahí la respuesta simple que encontré.

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¿Alguno sabía que en este momento se está tocando en un organo de una iglesia en Halberstadt, Alemania una versión de Organ²/ASLSP (As SLow aS Possible) de John Cage tomando al pie de la letra la instrucción del título de tocarla tan lento como se pueda? La pieza es usualmente interpretada con una duración de unos 20 minutos pero dispuestos a tocarla "tan lento como sea posible" y como un órgano no impone límites respecto a cuán lento puede ser tocado se decidió tocarla por un tiempo equivalente al tiempo que lleva ese órgano puesto ahí, nada menos que 639 años hasta el año 2000. La ejecución de la pieza comenzó el 5 de septiembre del 2001 sin cambios hasta más o menos un año y medio después cuando la primer nota fue tocada y se mantuvo sin variaciones hasta que un año después otra nota se le sumó. Y sí, dije que un año despues de comenzado la ejecución sonó la primer nota porque empezó con una pausa, y dada su monumental duración, esa pausa duró un año y medio. O sea, durante un año y medio nada sonó pero se estaba ejecutando la obra musical más larga en la historia de la humanidad, uno podría haber estado ahí, no escuchar nada y aún así estar escuchando la música siendo ejecutada por el órgano, y tal vez jamás enterarse. Aún más interesante es que al contrario de 4'33'' esta obra no es intencionadamente silenciosa, no es una obra conceptual sobre el silencio ni nada que se le parezca, ese silencio fue solo una consecuencia lógica y nada más.

Tarea para hoy

Esperaba no tener nada para hacer hoy en el trabajo y en ese caso ya tenia planeado pasarme el dia mirando capítulos de The Venture Brothers en esta maravillosa página. Lamentablemente, creo que voy a tener que trabajar, pero lo bueno es que todavía alguno de ustedes, mis queridos lectores (tengo de esos,¿no?, o sea, efectivamente leen lo que escribo, ¿no?), ¡puede hacerlo por mí!

La cuestión era recomendarles a todos que vean la mejor serie animada en producción actualmente, que conocí gracias a la recomendación del Space Bambino. Solían darla los viernes a las 2 de la mañana en Adult Swim por Cartoon Network, pero creo que ya no lo hacen así que me sentí muy afortunado al encontrar ese genial sitio (tiene varias series más para ver, revisenlo).

La serie es una suerte de parodia o adaptación muy libre de Johnny Quest pero con peor onda, humor políticamente incorrecto en más de una ocasión, plagado de todas las referencias imaginables y, según sus propios creadores, con el fracaso como tema central.

Y si alguien tiene algo malo para decir sobre esta serie no quiero ni escucharlo.

(POST PRESENTED IN GLORIOUS EXTRA COLOR)

Apuntes sobre música industrial

A esta altura cuando escuchamos a alguien describiendo la música de alguien como industrial nos resulta casi un chiste. El término es inmediatamente asociado con bandas de rock noventoso con samplers feos, ropa de mal gusto e intentos desesperados por shockear a la audiencia. Pero esto no siempre fue así, en una época el término industrial estaba lleno de significado y no hacía referencia a un sonido sino a toda una cultura, a una forma de pensar y de actuar allá por la segunda mitad de la década del 70 cuando un grupo de cuatro ingleses inquietos dedicados a las performances artísticas decidieron empezar a hacer música, cambiarse el nombre de COUM Transmissions por Throbbing Gristle y fundaron el sello Industrial Records.

Industrial Music for Industrial People era el lema ideado por Monte Cazzaza para el sello y dejaba en claro que la cultura industrial no se reducía a la música. Parafraseando a Genesis P-Orridge la música industrial se trataba de tomar el legado de bandas como Velvet Underground pero eliminar toda la influencia de rythm and blues que veian como algo que se habia vuelto inevitable en la musica. El blues es de origen pre-industrial, tiene su origen en las plantaciones de algodón, un contexto que jóvenes como ellos veían demasiado distante de su realidad. Así que si el blues pertenecia a la era pre-industrial ellos iban a hacer musica para la era industrial, así surgió la idea de música industrial. Una música que representara exactamente lo que era para ellos vivir en esa época en el lugar donde la sociedad los había puesto en un lenguaje propio que no habían tomado prestado (por eso jamás les preocupó no saber tocar ningún instrumento). Era un completo cambio de paradigma de la música popular.

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Lo de industrial no era solo un nombre simpático para ponerle a lo que hacían. Toda la música estaba permeada por la idea de industria. Los discos de Throbbing Gristle se grabaron como reportes anuales y de forma serial para imitar el proceso industrial. Todos los shows duraban exactamente una hora al cabo de la cual se cortaba la energia del escenario y todas ellas fueron documentadas y editadas en box-sets (TG24 y TG+). El imaginario de la banda era entre corporativo, militarista y burocrático, con su imagen y sus letras (siempre flirteando con todo tipo de tabooes) eran complementadas con proyecciones en los shows porque la imagen era un mayor agente de control y más influyente que la música pop. La música misma intentaba representar la deshumanización de la era industrial usando sonidos encontrados, ruido, instrumentos no convencionales e instrumentos convencionales que no sabían tocar.

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Aunque uno no suele verlos incluidos en el canon de la música industrial, estoy dispuesto a afirmar sin dudas que la banda que más lejos llevó la idea de deshumanización musical es Kraftwerk. La banda de Ralf y Florian es un exponente perfecto del espíritu post-industrial. Después de todo, no es muy difícil escuchar los ecos de su obra en partes de la de Throbbing Gristle. ¿De dónde más podría venir un ritmo como el de "A8/7A"?

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No creo que la música industrial haya sobrevivido a esos primeros años, no creo que nada después de Throbbing Gristle y los que los siguieron inmediatamente haya merecido el nombre de industrial. Industrial no era un género, ni un sonido, ni una forma ridícula de vestirse, era un programa, era una forma de pensar el presente, era el zeigeist y ya no lo es. De cualqueir manera el camino marcado por el surgimiento de la música industrial es fácilmente rastreable hasta el noise y demás gente que hace quilombo y no cree realmente en la música convencional, pero en su mayor parte el espíritu y las ideas se perdieron totalmente. La música industrial no existe más.

Robando con Youtube

Un par de cosas interesante que encontré últimamente.

Fum From None - Live at the No Fun Fest 2004
La primera parte de Fun From None, el dvd del No Fun Fest, la correspondiente a la edición 2004 del que posiblemente sea el festival de noise más importante del momento. Incluye Wolf Eyes, Hair Police, Kim Gordon, To Live and Shave in LA, Nautical Almanac y algunos más.



Fum From None II- Live at the No Fun Fest 2005
El dvd de la edición 2005 (los dos se editaron juntos). Abre con una performance increible de Prurient (que ya se vio en este blog) y sigue con excelentes muestras de Magik Markers, Monotract, 16 Bitch Pile Up, Giffoni Death Unit (con Carlos Giffoni, el organizador del festival), Jazzkamer (dúo de Lasse Marhaug), Macronympha, Dead Machines, Mouthus y cierra, mejor imposible, con Borbetomagus. Totally awesome



Boris - Live at First Unitarian Church
And this is why Boris fucking rocks. Show de 53 minutos grabado en el 2005 donde el trío japonés rockea como pocas bandas en el mundo pueden hacerlo. (Gracias Quese)



Y aunque no los voy a poner acá, pueden fijarse en los demás videos del mismo usuario que subió las dos partes de Fum From None que también tiene Wolf Eyes y Prurient en vivo (sets largos, nada de videos cortados). Enjoy

No-Fi

¿Qué es o qué función cumple el lo-fi? La cuestión es simple de plantear pero complicada de cualquier manera (como todas las cuestiones interesantes). Pensé en la naturaleza del lo-fi escuchando a Ariel Pink, pensé en la posibilidad de que el lo-fi, la falta de calidad en el sonido, podría ser no simplemente una eventualidad de la grabación sino un elemento fundamental de la música. Pensé en que tal vez haya música que no podría sonar mejor de ninguna manera.

La cuestión sería si lo que está grabado son verdaderamente canciones comunes y que aunque escuchamos mal grabadas, podríamos escuchar bien grabadas también. Creo que hay casos en los que no. Tal vez haya pensado esto por primera vez escuchando el Bee Thousand de Guided By Voices. Ese disco suena definitivamente mal, muy lo-fi, pero no creo que de ninguna manera ese sea un disco compuesto de canciones. Bee Thousand, con sus 20 tracks en apenas un poco más de media hora, es uno de los discos más fragmentarios que haya escuchado, ningún track es una canción de verdad sino un esbozo de una canción, una idea, una nota, un adelanto de una canción que no vas a escuchar nunca. Es por eso que está tan bien que suene así y estaría tan mal si sonara mejor.

Y todo lo que se pueda decir de Guided By Voices en este sentido es doblemente cierto sobre Ariel Pink. Pink no compone canciones sino que graba registros de ideas difusas sobre canciones posibles, ideas inmediatas, por eso edita de forma tan increiblemente prolífica y por eso no pueden sonar mejor, no es el sonido lo que es difuso y poco claro, es la canción en sí. Interrogado en una entrevista sobre cuantas canciones había grabado Pink contesta "Too many to count. And what exactly is a song anyway? I’ve got hundreds of recordings, varying in quality and content, not all songs, and not all accounted (there just isn’t enough time to sift through every instant recording session I’ve made on the fly), and I also have many songs that I haven’t yet recorded, but could call to mind if needed." Y la pregunta de verdad la plantea él mismo, ¿qué es una canción después de todo? (Nota: Es un buen dato saber que aparentemente la forma en la que graba Pink es tomando algunas ideas y melodías que tiene en la cabeza y arreglandolas por primera y única vez mientras las graba, después le puede grabar otra pistas con algún arreglo más arriba y listo.)

Mark de K-punk (blog genial que me hizo conocer Dag hace poco y del cual me robé descaradamente la mayoría de las ideas de este post) dice sobre Ariel Pink en una definición brillante que es el equivalente sonoro a ver algo por el rabillo del ojo. De la misma forma que lo que se ve de esa forma, su música deja solo una impresión, la idea de que algo fue escuchado pero jamás la certeza. Las canciones están y no están al mismo tiempo. Están ausentes y al mismo tiempo funcionando, y funcionan más dentro de uno que en sí mismas.

El mismo Mark en un post sobre Jessica Rylan en vivo hablaba sobre la ilusión generada de un objeto sonoro que sería perfecto si uno lo pudiera escuchar más claramente. Como cuando uno escucha un pirata en vivo que suena realmente mal y sabe que hay algo genial para escuchar debajo de todo el ruido y el zumbido pero no puede llegar a oirlo. La diferencia acá sería que ese algo genial sería solo una ilusión generada por el ruido y el zumbido y que la canción perfecta debajo no existe realmente. En este caso el lo-fi y el mal sonido no serían una capa sobre la canción, (una eventualidad de la gabación, como decía más arriba) sino que sería el ocultamiento de algo que no existe sino oculto, algo cuya condición de existencia es el ocultamiento. El ocultamiento de una ilusión, algo que no está ahí debajo donde se supone debería estar.

Lo que escuchamos entonces no serían canciones, serían huellas de una canción que realmente no está en ningún lado. La expresión musical de lo que Derrida llamaba "archihuella", la huella de una huella, porque si la huella es una señal presente de algo que estuvo ahí en algún momento pero ya no lo está está es la huella de algo que nunca estuvo efectivamente ahí. La huella no está entonces ni presente ni ausente, no pertenece del todo al pasado ni al presente. Todo esto sirve apenas para empezar a definir el increible mundo sonoro de Ariel Pink.